Artemisia Gentileschi est une peintre italienne du XVIIe siècle dont le style dramatique et expressif est clairement inspiré du Caravage. Sa célébrité, cependant, a souvent été attribuée aux événements dramatiques et fictifs de sa vie, qui ont fait d'elle une héroïne féministe ante litteram.

Qui était la "peintre" Artemisia Gentileschi ?

Artemisia Gentileschi est née le 8 juillet 1593 à Rome. Elle est la fille du peintre pisan maniériste Orazio Gentileschi, qui s'est installé à Rome où il a absorbé les influences du Caravage.

Artemisia se passionne pour la peinture dès son plus jeune âge, surtout après la mort de sa mère (1605). Inspirée par le réalisme dramatique du Caravage, elle y ajoute des éléments de l'école bolonaise : sa première œuvre achevée est le Susanna et les vieillardsréalisée en 1610 alors qu'il n'avait que 17 ans.

Un événement qui a profondément marqué sa vie personnelle et artistique est, en 1611, son viol par Agostino Tassi, son professeur de perspective, pendant son apprentissage dans l'atelier de son père. Un procès public et très médiatisé s'ensuivit, au cours duquel elle dut témoigner sous la torture, prouver sa virginité avant le viol, et fut soumise à la sibylle, un supplice destiné aux peintres qui consistait à entourer les doigts de ses mains avec des cordes jusqu'à ce qu'ils saignent.

Tassi a été condamné, mais la réputation et l'équilibre mental et physique de cette femme ont été irrémédiablement détruits.

Après le procès, elle épouse par un mariage arrangé le modeste peintre Pierantonio Stiattesi et s'installe en 1612 à Florence, ville qui jouit d'un climat culturel très fertile. En 1616, elle est la première femme de l'histoire à être admise à la prestigieuse Académie florentine de dessin.

Les dettes de son mari et les rumeurs sur sa moralité la poussent à quitter Florence en 1620 pour retourner à Rome, puis à entreprendre une série de voyages et de séjours à Gênes, Venise, Naples et Londres, au cours desquels elle fait la connaissance d'artistes importants de l'époque. Bien qu'elle soit toujours bien accueillie dans les différentes villes, elle ne reçoit pas autant de commandes que ses collègues masculins. Elle meurt à Naples en 1653, après une dernière période de grande activité.

Le féminisme dans l'œuvre d'Artemisia

La biographie d'Artemisia a évolué dans une société où les femmes jouaient un rôle marginal : même la peinture, comme d'autres activités, était considérée comme une pratique purement masculine. Artemisia a été ignorée pendant des siècles par les historiens de l'art, qui ont eu tendance à réduire son statut artistique à ses tristes vicissitudes personnelles.

Son style mature et dramatique, et sa figure en général, ont commencé à être réévalués à la suite d'un article de Roberto Longhi (1916), Gentileschi père et fille. Cependant, son registre expressif reste principalement associé aux aspects dramatiques et fictionnels de sa vie, ce qui l'a amenée, par la force des choses, à un féminisme ante litteram.À cet égard, nous rappelons ses nombreuses œuvres mettant en scène des héroïnes bibliques triomphant des abus masculins : Judith décapitant Holopherne (1612-1613), Esther et Assuérus (c. 1628-1635), David et Bethsabée (1635).

Le tableau d'Artemisia

Il ne faut cependant pas oublier la force stylistique avec laquelle Artemisia s'est imposée comme peintre, en s'aventurant dans des genres résolument nouveaux par rapport aux quelques femmes peintres précédentes (qui s'étaient jusqu'alors limitées aux paysages, aux portraits et aux natures mortes). La peinture d'Artemisia est une peinture "haute", avec des sujets historiques et sacrés et une mise en page dramatique et monumentale d'inspiration clairement caravagesque : des scènes savamment construites, des formes et des couleurs aux contrastes tranchants, des plans rapprochés qui dramatisent le rapport avec le spectateur en abandonnant les modules iconographiques conventionnels. Des atmosphères plus intimes, mais aussi des tonalités plus lyriques, en plein accord avec le style baroque, exprimant une puissance qui va au-delà des événements personnels : rappelez-vous ses "tableaux de la vie". JudithsLes images sont rendues avec beaucoup de concret et ne sont pas du tout idéalisées, tout comme les autoportraits et les nus.

Où trouver les œuvres d'Artemisia Gentileschi à Naples ?

La période de son séjour à Naples, de 1630 à 1653 (interrompue par un séjour de quatre ans à Londres), fut une période d'intense activité, mais peu d'œuvres y sont actuellement conservées.

Musée de Capodimonte et galeries nationales

Judith décapitant Holopherne (1612-1613). Il représente l'héroïne biblique Judith (flanquée de l'esclave Abra) en train de décapiter le général assyrien Holopherne, qui assiégeait la ville de Bétula. Contrairement à d'autres peintres des XVIe et XVIIe siècles qui avaient proposé le même thème, Artemisia choisit le moment le plus sanglant de l'histoire, l'instant précis de la décapitation.

Annonciation (1630). Un grand retable peint à l'huile sur toile, représentant le thème cher à l'histoire de l'art de tous les temps, l'Annonciation de l'archange Gabriel à Marie.

Cathédrale de Pouzzoles

San Gennaro dans l'amphithéâtre de Pouzzoles (1636-37). Elle fait partie d'un groupe de trois peintures réalisées par Artemisia pour la cathédrale de Pouzzoles (Rione Terra) et représente l'histoire du martyre de saint Gennaro : en particulier, le moment où les bêtes féroces auxquelles il avait été donné en pâture, au lieu de l'attaquer, lui lèchent les pieds. Après avoir été conservée pendant plus de cinquante ans au musée de Capodimonte, elle a retrouvé son emplacement d'origine à la suite de la réouverture au culte de la cathédrale de Pouzzoles.

Saints Proculus et Nicée (1636-37). Il représente deux des martyrs de Pouzzoles, Proculus et sa mère Nicée, qui, selon la tradition, ont été enterrés dans la cathédrale de Pouzzoles. Ce tableau, comme le précédent, a été conservé au musée de Capodimonte pendant plus de cinquante ans avant de retourner à son emplacement d'origine.

Adoration des Mages (1636-37). Avec les deux précédentes, elle complète le triptyque pour le chœur de la cathédrale de Pouzzoles, où elle est actuellement conservée (après plus de cinquante ans au musée de San Martino). Il est intéressant de noter que les personnages sont caractérisés par des physionomies "méridionales", presque "espagnoles".

Palais Zevallos Stigliano

Samson et Dalila (1630-38). Huile sur toile inspirée de l'histoire biblique du même nom, représentant Samson endormi sur les genoux de la charmante Dalila, qui, par ruse, brise le cœur du jeune homme et parvient à découvrir sa force.